Para la gran mayoría asistir a una exposición en donde se muestren muchos datos estadísticos puede resultar agobiante y bastante aburrido. Imagínense el gran reto que significa para un diseñador tener que desarrollar una exposición atractiva e interesante para comunicar este tipo de información.

“TO DO” es una agencia italiana que se enfrentó a este desafío, diseñando la exposición “Stazione Futuro” para conmemorar el 150 Aniversario del estado italiano. Los datos estadísticos sobre tendencias, sistema educativo, mercado de trabajo, temas de salud, revolución del internet y otros temas sobre el pasado presente y futuro de Italia fueron traducidos en gráficos llamativos y animaciones  dinámicas, que permitieron a los más de 35.000 visitantes disfrutar de una magnífica exposición, en donde interactuaron con modernísimas instalaciones, dejaron sus comentarios, recibiendo información  de una manera divertida y eficaz gracias al diseño.

Para el artista Gabriel Orozco, la tensión entre las limitaciones de un sistema y su necesidad de improvisación crean un espacio único que lo convierte en uno de los artistas mas creativos e influyentes de su época.

La forma en la que Orozco desarrolla sus piezas parece nacer de la pregunta “Que pasaría si…?” Con este concepto, el artista usa cosas de su entorno contemporáneo para hacer visible la poesía de las coincidencias y paradojas que se crean cuando se ponen juntas. De esta forma, usando el paisaje urbano y objetos cotidianos, el artista mezcla las nociones convencionales de la realidad para capturar la imaginación del espectador. La creativa versatilidad del artista para expresar temas le ha dado la oportunidad de demostrar que los artistas también pueden influenciar al mundo de la política con sus obras.

+info: www.pbs.org

Mensajes de amor mal deletreados, consejos entusiastas para hacernos ricos, la fórmula perfecta para bajar de peso y muchas otras mensajes de este tipo son filtrados por muchísima gente como “Spam” o basura electrónica que la mayoría los evita por ser considerados molestos.Sin embargo la agencia italiana “ToDo” consideró que estos mensajes son testimonios legítimos para la humanidad sobre nuestras emociones y deseos más ocultos. “ToDo” decidió por esta razón dar al “Spam” una nueva oportunidad cambiando su enervante imagen a través de “Spamghetto” , una divertida aplicación que transforma a la indeseable basura electrónica en modernos y atractivos papeles para tapizar las paredes.

Con este creativo proyecto, la  agencia italiana “ToDo” se ganó el reconocimiento internacional, haciéndose acreedora a la medalla de Plata en los reconocidos premios del “European Design Awards 2010”.

Es verano en Buenos Aires, y en la amurallada fachada de un café teatro de la ciudad, Georgina cría en modesto silencio, con brochas, plantillas, rodillos, pinceles y otros instrumentos pictóricos bastardamente nobles, una nueva, dulce, y siniestra especulación biológica.

La artista Georgina Ciotti es una experta en pintura mural, un formato político e íntimo que la autora domina, y con el que parece jugar a escaparse constantemente de los conceptos preformados y usualmente decorativos que le son inherentes a cierto tipo de mural convencional. Georgina consigue, con igual potencia, ambientar la habitación en la que viven unos niños, y construir eróticos personajes gigantescos en los muros internos de una peluquería; lo hace con la misma naturalidad con la que invoca transeúntes bidimensionales.

La obra de Georgina es potente. Descontando la “luz” propia de la autora, la fuerza de su trabajo le puede ser atribuida a su formación como diseñadora e ilustradora UBA (Universidad de Buenos Aires), a lo cual hay que agregar que el trabajo de la artista se encuentra doblemente reforzado; por un lado, por sus experiencias profesionales de mural urbano (pariente cada vez más lejano del grafiti, y cómplice actual de las causas que persiguen la cohesión social), recolectadas durante la primera década del siglo XXI en Barcelona, ciudad en la que algunos de sus muros, fachadas y vitrinas alojan varios de los engendros perfectos elaborados por Georgina, quienes todavía continúan desafiando la mirada de los caminantes. Por otra parte, como segundo puntal de su obra, e incluso se podría decir que como segunda expresión de su particular estilo en la confección de personajes, encontramos que Georgina cuenta con una interesante trayectoria en el universo de los efectos especiales (aplicados al cine y a la publicidad, Georgina Ciotti ha participado en los equipos de efectos especiales que han desarrollado obras audiovisuales de culto en aquel campo, como Hellboy 1, Hellboy 2 o El Laberinto del Fauno, por lo cual le han sido otorgados varios premios entre los que se encuentra un Oscar al mejor maquillaje fx).

Georgina opera en la ciudad (Buenos Aires o Barcelona), más allá de lo que podría suponer la elaboración de murales “cool”. Ella parece concebir a los espacios arquitectónicos como superficies vestidas, cubiertas con un engañoso vacío, urgidas de exhibir los textos e imágenes inquisidoras y provocadoras, lindas, pero también inteligentes e incómodas que se encuentran debajo, y que Georgina hace visibles desvistiendo los muros con dibujo.

Albert Watson de origen escocés ha dejado su marca como uno de los más exitosos fotógrafos dentro del  mundo de la moda y la fotografía comercial.

El lenguaje visual que transmiten sus obras son característicamente una expresión de su forma de ser, ya que todo su trabajo tiene en común la dedicación al perfeccionismo de Watson. Debido a esto, la forma en la que usa la luz en sus fotografías llama la atención del espectador porque crea un ambiente casi meditativo. Uno de los grades de la fotografía contemporánea.

+info: www.albertwatson.net

Italian Vogue, New York City 1994

Tracy Lords with Moss Man, New Orleans 1992

Golden Boy, New York 1990

Chevrolet in Rain, Pittsburgh 1988

Dancers, New York City 1992

Olympic Stadium, Berlin 1988

Charlotte, Saint Paul de Vence, France 1988

Highway 215W, Las Vegas 2000

Morocco 1997

La diseñadora gráfica Dana Tanamachi se especializa en crear estilos de letra únicas usando tiza. Tamachi vive en Brookilin, Nueva York y actualmente trabaja para Louise Fili Ltd.

Tanamachi también usa sus innovativas letras de tiza para una gran variedad de publicaciones, empaquetado y ropa. Las letras y diseños creados con increíble minuciosidad, toman bastante esfuerzo y pueden transformar desde menús hasta monogramas en piezas únicas. De acuerdo a la artista, ella no esta contenta con su trabajo hasta que su pelo negro no se haya tornado un color grisáceo debido al polvo de la tiza.

+info: www.danatamachi.com

El estudio diseño gráfico Masa tiene una brillante trayectoria, convirtiéndose en uno de los más reconocidos de Venezuela y el mundo por su singular estilo.

Al frente de esta agencia está Miguel Vásquez, quien combina en su trabajo elementos gráficos con referencias urbanas y folklóricas. Esta creativa fusión le ha permitido generar innovadoras soluciones para una amplia serie de proyectos como portadas de discos, diseños y logos para snowboards, las camisetas de Ronaldinho para Nike, entre muchos otros.

+info: www.masa.com.ve

‘Design Walk’, fue una magnífica oportunidad conocer más de cerca a los estudios de diseño más representativos de Madrid, en un recorrido a pie organizado en 5 rutas por 5 barrios de la ciudad.

En octubre 2011, veinticinco estudios abrieron sus puertas a estudiantes, a profesionales y a curiosos del mundo de la creatividad que quisieron conocer todo lo referente al mundo de la publicidad y del diseño, además de dialogar con los profesionales e intercambiar experiencias y metodologías de trabajo. Sopa de sobre, Pelonio, Pep carrió, Sra. Rushmore, Viernes, La Camorra, Virgen Extra fueron algunos de los estudios que compartieron sus experiencias con los visitantes.

La idea de conocer un Madrid desde otro punto de vista surgió de la mente de Sergio Gonzalez Kuhn, diseñador madrileño y fundador de la agencia de diseño Barfutura, que se ha inspirado en iniciativas similares que se organizan en otros países. “Design Walk” nace este año con la idea de consolidarse como una cita anual en el calendario creativo español.

La bienal de tipografía más grande del mundo regresa con su quinta edición. Tipos Latinos 2012, abre las inscripciones para que todos los diseñadores latinoamericanos inscriban sus proyectos tipográficos. Grafitat gestiona y coordina la bienal en Ecuador.

Tipos Latinos es un espacio tipográfico internacional integrado por 13 países latinoamericanos: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Guatemala, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela. Su propósito principal es llevar a cabo Tipos Latinos 2012, la Quinta Bienal de Tipografía Latinoamericana, continuación de las Bienales TL2010, TL2008, LL2006 y LL2004.

Paralelamente a la exhibición que se realiza en cada país miembro, Tipos Latinos promueve el desarrollo de actividades que complementan y enriquecen la muestra: charlas, talleres, visitas guiadas. Tipos Latinos se ha constituido en la exhibición más grande del mundo por el número de países participantes y referente de la cultura latina por medio del diseño de alfabetos que fortalecen la comunicación visual hispano parlante.

Las inscripciones están abiertas hasta el jueves 23 de febrero 2012.
Los resultados se publicarán el martes 21 de marzo 2012.

Descarga las bases aquí
Inscríbete aquí

Alfabeto seleccionado 2010, Luis Bolaños, EC

“Asegúrese de consumir uno al día. Tómelo si necesita inspiración,  un corazón contento, optimismo, concentración, superación  y hasta euforia” es el mensaje impreso en las barras de chocolate “TCHO 30 day prescription” producidas por TCHO,  una fábrica de chocolates ubicada en San Francisco que fue fundada por dos ex técnicos de la NASA y actualmente entusiastas del chocolate. El nombre de la compañía es un híbrido creado de la fusión de las palabras Tecnología + Chocolate.

La marca del chocolate TCHO, genialmente diseñada por la agencia EdenSpiekermann & colaboradores, está creada para posicionar a TCHO como un producto de alta calidad. Acompañado por un acertadísimo lenguaje de gráfico, producto de una extensa investigación, el chocolate TCHO nos demuestra que la combinación de pepitas de cacao, buenas ideas y arduo trabajo,  dió como resultado el nacimiento de un magnífico producto.

Nuestros amigos y colegas Diseñadores Gráficos de Bolivia han preparado una detallada infografía sobre la edición 2011 de Poster for Tomorrow.

En la misma se describen a los 10 mejores posters seleccionados por país, destacándose Ecuador como única nación con dos posters en la lista. También se destaca la participación numerosa de 66 hombres dentro de la lista de los 100 escogidos frente a 33 mujeres y por otro lado Estados Unidos, Ecuador y México como los países con más afiches seleccionados. Latinoamerica vuelve a sorprender este año y da muestras de que tenemos mucho que ofrecer!!

Haz clic sobre la infografía para ampliar.

Durante las próximas semanas se presentará en Bolivia el libro Designio. Editado y diseñado por el reconocido diseñador argentino Pablo Kunst. Un volumen que resume la faceta multidisciplinaria de su autor en el mundo del diseño y sus relaciones con la docencia, la acción social, la gestión cultural y el mundo empresarial.

A continuación un texto descriptivo del libro:
Xavier Bermúdez / Ciudad de México, Septiembre, 2011

En la práctica del diseño contemporáneo en Latinoamérica seguimos encontrando sorpresas, sorpresas que trascienden nuestras fronteras geográficas, y que nos ayudan a entender otras realidades vistas por otros ojos. Atreverse a publicar lo publicado y a diseñar, teniendo como materia prima diseños propios, necesita de una madurez y objetividad que difícilmente se encuentra con facilidad. Pablo Kunst, quien ha demostrado su interés en la difusión de la cultura del diseño, se desdobla y analiza desde el espejo su quehacer de diseño. Nos expone sus propuestas no para ser calificadas, criticadas o bien admiradas por colegas y amantes del diseño. Su interés al publicar este libro, manifiesta una intención pedagógica para dejar al descubier to sus referencias, influencias, y sobre todo sus definiciones filosóficas y estéticas ante un público que gusta de la imagen y entiende la función del diseño. Frente a una práctica por demás utilitaria pero que al mismo tiempo nos enseña a cultivar la mirada, el autor nos sitúa en un mundo que necesita y pide en voz alta mantenerse diverso, original, auténtico, distinto y al mismo tiempo universal y en constante definición de sus propias identidades.

Kunst, hace de cada experiencia de trabajo una verdadera investigación y aprendizaje temático presentándonos nuevas alternativas expresivas que definen un lenguaje visual propio, cer tero y preciso, sin rodeos, con armonía y precisión discursiva.

La selección de trabajos que nos presenta este libro debe celebrarse por muchas razones. Es la demanda temática y no el estilo o preferencias personales lo que determina su discurso gráfico. Es el respeto por los principios y el oficio del diseño que la hace clásica y elegante. Son sus elecciones y arreglos tipográficos lo que nos permite entender la tesitura en que se expresan las ideas y es su armonía la que la convier te en una obra permanente y trascendente. Pablo Kunst también nos muestra otra faceta de su trayectoria profesional, el objeto tridimensional, introduciéndose a la experiencia de interactuar con los objetos que diseña; cerámica, esculturas y mobiliarios diseñados con maestría. El diseñador diseña; sus procesos, sus propuestas, sus objetos, su selección de temas, sus car teles; diseña su propia vida. A final de cuentas la intención de Pablo Kunst, subyacente en este libro, tiene la clara intención de expresarnos su proyecto de vida el cual se enriquece día a día con las producciones compar tidas, invitándonos a tener la capacidad de proponer haciendo diseño.

Designio

Autor: Pablo Kunst
Prólogo: Felipe Covarrubias | México
Introducción: Cedomir Kostovic | Bosnia
Reflexiones: Pekka Loiri | Finlandia
Fotografía: Carolina Bello | Venezuela
Iván Kunst | Argentina
Vladimir Chaika | Rusia
Colaboración en Traducción: Julia Kunst

El pasado 3 y 4 de octubre el Teatro Coliseum de Barcelona fue el punto de encuentro de un inspirador evento, organizado por la Alianza Gráfica Internacional AGI, que sirvió para concentrar a lo mejor del talento creativo actual.

Los ponentes fueron reconocidos diseñadores internacionales y a cada uno de ellos se les dio veinte minutos para hablar sobre sus proyectos bajo el formato “What. How. Why”. El propósito del congreso fue educar e inspirar a estudiantes y profesionales ofreciendo una oportunidad única para conocer de cerca la visión de algunos de los diseñadores más influyentes del mundo. (Intro Video)

Tuve la oportunidad de asistir al evento y sentirme muy a gusto escuchando las experiencias de fantásticos diseñadores entre los que me gustaría destacar algunos nombres:

Michael Bierut, diseñador gráfico americano y uno de los socios de la afamada agencia “Pentagram”, fue uno de los platos fuertes del festival, dándonos una clase magistral de branding con proyectos  de identidad corporativa realizados para “New York University Abu Dhabi”,  “MAD Museum of arts and design”, “Saks Fifth Avenue”, “Library” y el “New World Symphony”. Bierut es además un crítico del diseño y junto a otros diseñadores contribuyen con excelentes notas de diseño para el blog “Design Observer”. (Entrevista de Michael Bierut para AGI OPEN 2011)

Una digna representante de lo que significa una positiva fusión de culturas fue sin lugar a dudas Marina Willer, diseñadora brasileña radicada en Londres, directora creativa de Wolff Olins y poseedora de un impresionante currículum. Con una gran de dosis de creatividad y responsabilidad social dejó una muy buena impresión en la mayoría de los asistentes. Estupendos sus proyectos  de identidad corporativa para “Tate”, “South Bank Centre”, “Oxfam” y “Amnesty Internacional”. Esta mujer también crea y dirige cortometrajes independientes, entre ellos “River Crossing” que ha expuesto en prestigiosos festivales de cine. A todo esto se suma que es madre de gemelos…. sencillamente genial! (Entrevista de Marina Willer para AGI OPEN 2011)

Isidro Ferrer, un artista polifacético, que cautivó al público con una bella y poética presentación llena de preguntas y respuestas personales. En su conferencia nos acerca de su metodología creativa, que suele ser improvisada y espontánea, contándonos además que es muy selectivo en el tipo de trabajo y que los escoge no por su rentabilidad económica sino por su rentabilidad emocional. (Entrevista a Isidro Ferrer para AGI OPEN 2011)

La pareja londinense conformada por Angus Hyland y Marion Deuchars presentaron el rediseño de “Cassart”, una empresa proveedora de materiales artísticos que tenía como objetivo llenar la ciudad de artistas. Su campaña plagada de frescas y divertidas ideas funcionó a la perfección, consiguiendo que las ventas se tripliquen. Su objetivo “Volver a lo analógico es muy divertido” se ve claramente reflejado en su libro  “Let’s make some great art” que me pareció excelente para incentivar la creatividad y el amor al arte en los niños. (Entrevista de Angus Hyland para AGI OPEN 2011)

La esperada presentación de Stefan Sagmeister en el segundo día de conferencias no decepcionó en lo absoluto. El afamado diseñador presentó su último proyecto de identidad corporativa para la empresa EDP, representado por un divertido logo que se modificaba con los aplausos del presentador. Nos  habló también de los avances de uno de sus actuales proyectos, el documental “The Happy Film” , que es una exploración de la importancia de desafiarse a uno mismo y de lo que realmente significa ser feliz. Su cuestionamiento al hacer este documental es el tratar de descifrar si se puede entrenar a la mente de la misma manera que se entrena al cuerpo. Su meta es encontrar una respuesta a esta compleja pregunta. (Entrevista de Sagmeister para el AGI OPEN 2011)

Christoph Niemann, ilustrador y diseñador gráfico nos mostró algunos de sus brillantes y divertidos trabajos para el NY Times, en donde explora las obsesiones de la gente que vive en la ciudad de los rascacielos, la cultura pop y la vida familiar.(Entrevista a Niemann para el AGI OPEN 2011)

Mario Feliciano fue el plato fuerte para los amantes de la tipografía, presentando un detallado trabajo para la creación de la tipografía “Sueca”.

Mientras que los amantes de la infografía se deleitaron con los magníficos mapas de Joost Grootens, un arquitecto que llegó al mundo del diseño de pura casualidad.

Notas curiosas:

El divertidísimo diseñador, Chip Kidd cambió a último momento su presentación para hablarnos de lo perplejo que quedó al entrar a tomar un café en   “Qu Qu” y ver que las paredes del restaurante estaban decoradas por versiones ampliadas de sus trabajos incluyendo cubiertas de libros que fueron rechazados por sus clientes. Nunca se imaginó tener un fan de este calibre en Barcelona, una ciudad en donde nunca antes había estado. (Entrevista a Chip Kidd para AGI OPEN 2011)

A los diseñadores alemanes Jan Wilker y Hjalti Karlsson les contactaron para hacer un calendario en Serbia. Al llegar a este país para producir el proyecto fueron recibidos en el aeropuerto como grandes estrellas, con exageradas muestras de cariño que iban desde bailes típicos, entrevistas en varios canales de televisión, invitaciones por doquier y hasta afiches enormes ubicados en varios lugares de la ciudad impresas con sus caras. Vivieron algo así como una extraña pesadilla.

La presentación de la afamadísima Paula Scher, toda una vanguardista del diseño y ganadora de numerosos premios,  fue muy interesante pero bastante parecida a la que expuso en otra de las conferencias a la que asistí. Fue una pena, ya que me quede con ganas de oír algo nuevo. (Entrevista)

Paul Share perdió valiosos minutos bromeando con la confusión de su nombre y el de Paula Scher. Después nos presentó un divertido proyecto en el que su cliente le pidió diseñar un icono pequeñito de un “Monster Truck” de 1×1 pixel para iTunes, que al ser publicado en Facebook gustó tanto a la gente, que luego ese icono siguió creciendo hasta convertirse en una maqueta gigantesca. (Entrevista a Paul Share para AGI OPEN 2011)

Soy una gran admiradora del trabajo del polifacético e innovador de Javier Mariscal que fue sin duda una las razones por las que decidí  asistir a estas conferencias, pero su tan esperada presentación me decepcionó ya que fue reemplazada por un performance abstracto y excéntrico en donde en vez de contarnos sobre sus magníficos proyectos se puso a emitir sonidos bastante extraños mientras eran proyectadas varias de sus animaciones. Uno de sus últimos proyectos, es la bella película animada “Chico y Rita”,  que fue proyectada luego de las conferencias y que ha sido ganadora de varios premios internacionales muy importantes.

El diseño es reconocido hoy en todo el mundo como una herramienta de innovación, fundamental para el desarrollo económico y el mejoramiento de la calidad de vida. Muchos países lo han incorporado como parte de sus políticas públicas.

Más calidad, competitividad y ventas son una preocupación del diseño. También mejores equipos, muebles, aparatos domésticos y, en general, productos más agradables, fáciles de usar, seguros y cómodos.

Para la empresa hoy, no diseñar es un riesgo. La globalización en lo cultural y el libre comercio en lo económico, exigen un modo diferente de prepararnos para encarar el futuro, el cual estará seguramente marcado por las economías del conocimiento. En dichas economías la innovación y la generación de valor en los productos estarán fundadas en la aplicación de información e imaginación creadora, que es precisamente de lo que se ocupa el diseño.

Para presentar  y discutir sobre estos temas se ha organizado el 1er Coloquio internacional: “Diseño en la economías del conocimiento” orientado a empresarios, funcionarios del estado, diseñadores e interesados en general.

Tendrá lugar en Bogotá entre el 9 y el 11 de noviembre y contará con la participación de conferencistas y panelistas nacionales e invitados internacionales entre los cuales están, Susana Finkelievich (Argentina), quien hablará sobre procesos multisectoriales de innovación socio-tecnológica, Gisele Raulik-Murphy (Brasil-Gales), quien trabaja el análisis comparativo de políticas públicas orientadas al desarrollo de las Pymes en diferentes países, Xavier Ayneto (España), quien viene colaborando activamente en el desarrollo de sistemas y procesos de I+D, innovación y diseño en empresas de diversos sectores y tamaños, tanto industriales como de servicios.

Por Colombia participarán entre otros Andrea Botero, candidata a doctorado en diseño radicada en Finlandia, quien trabajará en torno al tema de la innovación jalonada por el usuario, Paulo Andrés Romero, experto en estrategias empresariales orientadas al desarrollo sostenible, hablará de innovación ambientalmente responsable, y Jaime Franky, director del ODA, Observatorio-laboratorio de Diseño Aplicado de la Universidad Nacional, presentará la idea de diseño como motor de innovación.

Lugar: Plaza de los Artesanos, Bogotá
Sesión de apertura: 9 de noviembre de 2011
Conferencias y mesas de sinapsis: 10 y 11 de noviembre de 2011
Inscripciones y más información: coloquioeconomiasdelconocimiento@coralianza.org
Sitio web: http://encuentropoliticaydisenos.wordpress.com/coloquio

El estudio de diseño Esrawe se enfoca en desarrollar conceptos de interiores y mobiliario para una gran variedad de clientes.

El fundador del estudio, Hector Esrawe, es reconocido por su trabajo utilizando un estilo minimalista y “retro.” El diseñador también es reconocido por implementar técnicas tradicionales mexicanas de fabricación en sus materiales.

+info: www.esrawe.com

Para Ralph Lauren la verdadera belleza de tener uno de estos autos de diseño único es poder conducirlos cuando le de ganas.

La selección de autos que forman parte de esta colección son algunos de los mas prestigiosos modelos deportivos desde 1930 hasta la actualidad. Cada auto tiene aspectos únicos que destacan las grandes etapas de la historia automovilística europea. Recientemente fueron exhibidos en París en el Museo de Artes Decorativas, siendo una de las pocas oportunidades donde se pudo apreciar la belleza de la colección bajo un mismo techo. En el sitio oficial de la exhibición puedes escuchar su motor tal como en la exhibición en vivo.

+info: www.ralphlaurencarcollection.com/

La agencia de diseño Lewis Moberly creó una línea de empaquetado para Waitrose Cooks’ Ingredients, que deja al entusiasta principiante en cocina sentirse como un verdadero chef.

El diseño que Lewis Moberly desarrollo para Waitrose es una presentación simple, con tipografía contemporánea, que deja que cada producto cuente su propia historia. Como con el caso del empaquetado de los quesos, estos describen los sabores que el cliente puede esperar de ellos en vez de una descripción aburrida. Esto deja al consumidor “probar” el queso con tan solo leer la etiqueta. Gracias a su original empaquetado Lewis Moberly gano el premio Eurobest en el 2008 por sus diseños para Waitrose.

+info: www.lewismoberly.com

La escultura de Rachel Harrison tiene características muy peculiares que convierten a sus piezas en creativas improvisaciones de objetos cotidianos.

Harrison tiene como inspiración varias fuentes y sus esculturas combinan aspectos históricos, artísticos y referencias a la cultura pop. Su trabajo exhibe contornos amorfos con significados ambiguos, en ocasiones se entretejen con el mundo de los famosos, la mitología, sucesos de la actualidad y la política.

+info: www.greenenaftaligallery.com

Pally es un taburete diseñado para adultos y niños. El mismo permite crear tu propio diseño, ya que al reorganizar los palillos de colores que componen el asiento, puedes personalizar el taburete.

Además de las posibilidades que ofrece para cambiar el diseño, Pally es suave al usarse ya que los palillos están situados encima de una malla elástica. Laura Vainola es la creadora de esta interesante diseño, su trabajo estuvo expuesto en el Festival Internacional de Diseño en Berlin 2011.

+info: www.lauravainola.com

El director creativo Dave Richmond de la agencia R Design fue el encargado de presentar una original idea para el diseño del empaque de los productos Selfridges. Lo interesante del diseño de los productos es que estos reflejan los valores de marca Selfridges en lugar del producto en concreto.

Los productos siguen un código de color negro utilizando otros colores solo para indicar el sabor del producto, la tipografía Trade Gothic y el tamaño es el mismo en todos los productos. De esta forma se crea una línea que es única y que refleja la actitud contemporánea e innovadora de Sefridges, al mismo tiempo que se obtiene elegancia y autenticidad.

+info: www.designanddesign.com

Bajo el rótulo de BICeBé se organiza una nueva bienal del cartel, que no se limita a la exhibición de piezas en concurso, sino que tomando como ejemplo la experiencia mexicana logra posicionarse como una gran fiesta y escenario del diseño.

Después de la experiencia ganada en el 2009,  se busca la consolidación y continuidad de la BiCeBé, como un escenario para seguir difundiendo, compartiendo y discutiendo “Diseño”. BICeBé encuentro 2011 tiene el objetivo de consolidar y garantizar la “Bienal”, con la llegada de grandes diseñadores, promotores y amigos que apoyan este esfuerzo de institucionalización. Algunos de los que participarán con  talleres y exhibiciones son Xavier Bermudez, Félix Beltrán, Felipe Taborda, Pablo Kunst, Rafael Vivanco y Diego Bermudez. Se dice que “cada quién debe saber marcar sus límites”, la BICeBé va en ese rumbo; la participación de los profesionales, estudiantes, instituciones educativas y demás actores de esta “puesta en escena” será la real muestra de hasta dónde podemos llegar como diseñadores, como ciudadanos.

+info: BICeBé

Blek le Rat es un artista francés conocido por ser uno de los primeros artistas de graffiti en París desde 1983 y por ser el pionero de la técnica de “pochoir” o stencil, que hoy entra dentro de la categoría del street art.

Su trabajo esta influenciado por las propagandas de Mussolini dibujadas con plantillas y el graffiti que vio en el metro de Nueva York.  Dibujando tanques de guerra, ovejas, ratas y figuras en las calles de París, su primera exhibición fue en el centro Georges Pompidou y esto le llevo a ganar fama dentro de su medio. Según Blek le Rat, la intención de sus dibujos es el exponer lo mejor de la vida y sorprender a los peatones con el fin de sacarlos de sus preocupaciones cotidianas. Su trabajo ha influenciado a varios artistas en la técnica de stencil o “pochoir” y entre los más destacados está Banksy o Dave Kinsey.

+info: www.bleklerat.free.fr

Cindy Sherman no es solo una fotógrafa, tambien es una reconocida directora de films. La artista vive y trabaja en Nueva York, y es representada por la gallería Metro Pictures.

Sherman es mejor conocida por sus retratos conceptuales, a través de los cuales pudo plantear preguntas desafiantes e importantes acerca de los roles y representación de las mujeres en la sociedad. En sus trabajos, la artista es la principal protagonista en el cual ella asume varios disfraces, desde estrella de Hollywood hasta ama de casa. Las fotografías no llevan nombre, ya que segun Sherman esto lleva al espectador a desarrollar narrativas que prueban esenciales para comprender a sus piezas.

+info: www.cindysherman.com

Este es un proyecto muy creativo que busca erradicar la falta de contacto personal que se tiene hoy en día. El proyecto comenzó en el 2007 y ahora cuenta con una increíble colección de excritos de los mejores diseñadores y casas de diseño del mundo.

Estas piezas contienen un vistazo dentro de las originales mentes de estos diseñadores y demuestra la transición cultural en la que nos encontramos en este momento. En nuestro medio es muy común reemplazar varios tipos de comunicación personalizada por mensajes de texto, email, Twitter etc. El escribir una carta provee la oportunidad de dejar a la imaginacion libre para crear, expresar tus pensamientos…y lo único que tienes que hacer es tomar una pluma y un papel y sentarte a escribir.

+info: www.handletterwrittenproject.com

El director creativo Giovanni Bianco, ha dedicado su talento único al mundo de la moda, articulos de lujo y entretenimiento. Su estudio GB65 ha producido conceptos de marketing icónico para diferentes clientes internacionales como D&G, DSquared2, ‘S MaxMara, Missoni, Alessandro Dell’Acqua y Pepe Jeans. (Foto arriba: Terry Tsiolis)

El estudio trae una innovadora mezcla de dirección artística, diseño y fotografía de primera clase. Debido a estas características sus creaciones son unas de las más excepcionales en la comunicación de esta industria. Desde el 2004, el estudio GB65 y Giovanni Bianco han colaborado en creaciones de identidad y gráficas para Madonna (The Reinvention Tour, The Confessions Tour y Confenssions on a Dance Floor), lo cual le ha proporcionado gran popularidad, reconocimiento y respeto en este sector. Giovanni Bianco ha publicado tres libros, y ha colaborado con el fotógrafo Steven Klein en las aclamadas ediciones de X-STaTIC PRO=CeSS para Madonna y Speed 2004 para Nike. Este original diseñador también ha prestado sus servicios a revistas reconocidas como Vogue Italia, L’Uomo Vogue y W.

Visita aquí su blog.
+info: www.giovannibianco.com

Confessions Tour, Photo: Steven Klein

Sticky and Sweet Tour, Photo: Tom Munro

VOGUE JAPAN, Photo: Francois Nars

Photo: Glen Luchford

Photo: Mert Alas y Marcus Piggott

Photo: Mert Alas y Marcus Piggott

Photo: Mikael Jansson

Photo: Steven Meisel

Photo: Mert y Marcus

Photo: Mikael Jansson

Photo: Tom Munro

Photo: Steven Klein

Lauren Clay trabaja muy creativamente con papel, creado esculturas que tienen un aspecto futirístico y una belleza terrenal.

Usando miles de pequeños papeles cortados minuciosamente a mano, Clay crea estas esculturas con temas efímeros de lo intangible y metafísico. La artista también destaca como dibujante y ha exhibido sus obras en varias galerias en Estados Unidos.

+info: www.doublefluff.com

La artista polaca Agata Olek prefiere el tejido en crochet como medio para crear sus obras. Según Olek, ella ha escogido este medio ya que le permite hacer dos cosas a la vez: mirar películas y arte.

Suss piezas de crochet han sido exhibidas desde Istambul hasta Nueva York, en donde actualmente reside. La artista describe sus piezas como expresiones que buscan traer energía, vida y color a los espacios del día a día. Su trabajo actual en Nueva York, ademas de poseer todas estas cualidades también busca hacer una critica sobre la realidad social y económica de la comunidad.

+info: www.agataolek.com

La exhibición Dreamcity es una colección de fotografías por la artista Anoek Stekeete de varios parkes de atraccion en diversas partes del mundo.

El tema de esta composición es mostrar el gran contraste del mundo de ensueños que tienen los parkes y la cruda realidad que habita afuera. Para esta exhibición contribuye también el escritor Eefje Blankevoort con quien Anoek visitó estos parkes de atracción en lugares como Iraq, Lébano,  China, Rwanda, y otros paises en el mundo. Dream City estará en exhibición en el museo de Rotterdam hasta el 28 de agosto del 2011.

+info: www.anoekstekeete.com

El Hotel Puro Oasis Urbano es un palacete restaurado del siglo XIV, su diseño interior mezcla el lujo contemporáneo con el espíritu oriental y la historia española.

Este hotel, junto con su creador Mats Wahlström, son parte de la comunidad de Design Hotels y parte de los “Originales” de la revista “Made by Originals,” del cual se habló en una nota anterior. El hotel es una expresión de la personalidad de Wahlström, su innovadora y aventurera naturaleza le  lleva a crear lugares que sirvan como inspiración y medios para experiencias únicas tanto para él como también para sus huéspedes. La propiedad es parte del Grupo Puro, pero se diferencia por la mezcla de lo bohemio con lo clásico que existe en cada uno de los espacios.

+info: www.madebyoriginals.com

La diseñadora Miriam Zink fué uno de los nuevos talentos que exhibió su trabajo en Festival Internacional de Diseño de Berlin en el 2011. “The Colors of Music” es una instalación interactiva en la cual a los visitantes se les pedía una lista de sus diez canciones favoritas. Estas canciones eran analizadas de acuerdo al género musical y la velocidad de la canción para luego poder crear visualizaciones en dos diagramas hechos de hilo, tomando en cuenta también el género de la persona.

+info: www.miriamzink.de

El artista multifacético Doug Aitken, crea con sus instalaciones un excepcional efecto de disolución en la narrativa tradicional a través de la expansión de las imágenes.

El titulo del libro “Broken Screen: Expanding the Image, Breaking the Narrative” (2006) es la mejor forma de describir el trabajo de Aitken. Un excelente ejemplo de sus creaciones, es Sleepwalkers en el MOMA de Nueva York en el 2007. En esta exhibición Aitken abandona el interior de los museos y realiza sus proyecciones en la fachada del edificio; la cual se compone de proyecciones paralelas que muestran a cinco personas que salen de su normalidad con movimientos extáticos.

La inspiración para su trabajo viene en parte del Expanded Cinema de los años sesenta y por otro lado de Hollywood y videos musicales. Aitken ha rodado algunos videos musicales para artistas como Iggy Pop y Fatboy Slim. El diverso protafolio del artista incluye proyectos como Silent Pavilion (2008), arquitectura cuyo exterior refleja el entorno y su interior puede ser usado como un lugar para la contemplación libre de sonidos.

+info: www.dougaitkenworkshop.com

Jill Greenberg es conocida por sus retratos de celebridades, bebes llorando y ositos tiernos. Sin embargo, cuando empezó su trabajo para una campaña de modas que incluía fotografías debajo del agua con el equipo de natación sincronizada de los EEUU, un nuevo concepto nace y este se puede observar en la exhibición de la artista en ClampArt de Nueva York.

La idea principal de “Glass Ceilings” esta enfocada en la tensión de las modelos al subir a la superficie para respirar luchando en contra del peso del agua. Esta ilusión es usada como una metáfora del papel que las mujeres deben cumplir en el mundo exterior, en donde de vez en cuando deben luchar para salir a la superficie y respirar un poco.

+info: www.mymodernmet.com

Cada año millones de mujeres sufren alguna forma de violencia de género. Para combatir esta realidad, se creó una campaña que genere conciencia en el público.

La campaña Únete, que fue iniciada en el 2008 por el Secretario General de las Naciones Unidas Ban Ki-moon, busca poner fin a la violencia contra las mujeres al aumentar consciencia pública y aumentar voluntad política. Como parte importante de esta campaña se ha creado un concurso para diseñar tu propia camiseta.

Si eres un hombre de entre 28 y 24 años, envía tu diseño que puede ser pintado, dibujado o una fotografía. Para mayor información, aquí están las reglas oficiales del concurso.

Fecha de cierre del concurso es el 21 de septiembre a las 23h59 hora de Nueva York.

+info: www.unitetshirtcompetition.org

Elaine Young es la fundadora de la agencia de comunicaciones y la marca de moda biotecnológica llamada LAByrinth. Una de las invenciones de la artista es joyería que contiene el ADN de la persona que lo va a usar.

Con este trabajo Young explora su propia creatividad relacionandola con las necesidades, los deseos, la utilidad y el concepto de un mejor vivir a través de LAByrinth. Estas joyas contienen el ADN de  la persona, planta o animal de elección suspendido en un frasco de cristal. El concepto de este diseño esta fundado en el valor simbólico que tiene la joyería, por medio del cual la pieza puede servir como un talismán, una expresión de identidad propia, como un recordatorio de una idea o persona.

+info: www.lab-yrinth.net

El logo es un componente muy importante de la marca, su diseño influye en el atractivo de un servicio o producto. Con esto en mente, el Volumen 3 del libro Logo Design fue publicado en abril de este año.

En este volumen se podrá encontrar una entrevista con H5, Neville Broody, Sasha Vidakovic quién está detrás de la nueva imagen de Victoria Beckham, entre otros interesantes diseñadores y casas de diseño. Dentro de esta publicación se encuentran también varios talentos de Latinoamérica como por ejemplo Bruno Porto de Brasil, el estudio Imagen HD de Argentina, Esteban Salgado de Ecuador, e estudio Latin Brand de Ecuador, Félix Beltrán de México, entre otros. El libro fue editado por Julius Wiedemann.

Puedes darle una ojeada al libro aquí.

+info: www.taschen.com

I Like Birds es un estudio de diseño en Hamburg que usa diferentes medios para crear interesantes imagenes para sus clientes.

El estudio esta especializado en publicaciones y sus proyectos incluyen pósters, libros, ilustraciones, identidad corporativa y otros trabajos visuales para eventos culturales y públicos. En I Like Birds se trabaja con el concepto de crear nuevas formas de comunicación visual que sean también fluidas y efectivas. La serie de libros “Fresh: Cutting Edge Illustrations” , los cuales vienen en tres volúmenes que ofrecen una revisión de ilustraciones contemporáneas, es uno de los últimos proyectos en los que ha estado involucrado este estudio. Mira aquí su página de facebook y entérate más acerca de I Like Birds.

+info: www.ilikebirds.de

La exposición Perspectivas de la Mente, o “Through the Looking Brain”, es una colección de fotografías de la compañía Zellweger Luwa AG. Esta increíble composición es una de las más completas en fotografía conceptual que existen, y por primera vez esta disponible al público en el museo Kunsmuseum Bonn en Alemania.

La colección esta compuesta de varios artistas como Doug Aitken (foto arriba), John Baldessari, Bernd y Hilla Becher, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Martin Kippenberger, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Fischli/Weiss, Hiroshi Sugimoto, Gabriel Orozco, Roman Singer, Jeff Wall, Richard Prince, Ken Lum y Stan Douglas. La compilación de estas piezas empieza en 1990 por Ruedi y Thomas Bechtler y abarca fotografías desde los años 70 hasta el presente.

La exhibición estará en el Museo de Arte de Bonn hasta el 25 de septiembre  del 2011 y después será trasladada al Museo de Sankt Gallen en Suiza.

+info: www.kunstmuseum-bonn.de

John Baldessari

John Baldessari

Gabriel Orozco

Gabriel Orozco

Doug Aitken

Richard Prince

Richard Prince

Hiroshimi Sugimoto

Hiroshimi Sugimoto

Cindy Sherman

Cindy Sherman

Gabriel Orozco

Thomas Ruff

Roman Signer

Sigmar Polke

Alex Trochut es un diseñador e ilustrador Español cuyo trabajo esta lleno de energía, indulgencia y simultáneamente auto-control, totalmente el otro lado del minimalismo. Su filosofía de trabajo es “más es más,” y siguiendo este concepto nos trae una recopilación de muchos años de trabajo en este libro cuyo nombre hace honor a su mantra. El libro “More is More” es un proyecto en el cual busca revelar al mismo tiempo el trabajo y la personalidad del artista. “More is More” está dividido en cuatro partes que presentan al libro como mucho más que un portafolio de trabajos del artista, esto crea un proyecto interactivo e interesante que vale la pena leer y disfrutar.

+info: www.alextrochut.com

La revista Qompendium no tiene parecidos porque ofrece a sus lectores una gran variedad de temas, que incluye filosofía, diseño gráfico, arte, cultura y ciencia entre otros.
El contenido de la revista lleva al lector a dar un viaje en la historia empezando por anécdotas de Apolo y Marte, guerras de robots, gente guapa como Brooke Shields y Dolph Lundgren, un encuentro con Coco Chanel, Yves Saint Laurent, Orson Welles y hasta con la misma Hypatia de Alejandría. La revista es producida en Alemania y se utilizan varios estilos, calidades de papel y colores. Qompendium es una publicación a prueba del tiempo que presenta un desafío a aquellas mentes creativas en busca de suelo fértil para desarrollar nuevas ideas.

+info: www.qompendium.com

El artista alemán Albert Oehlen, después de darse cuenta que la mejor forma de criticar la pintura contemporánea es a través de la misma se ha convertido en uno de los protagonistas de la “mala” pintura de Alemania.

Su trabajo esta influenciado por varias figuras dentro y fuera del mundo del arte, como por ejemplo la teoría de Gestalt, Sigmar Polke, Jörg Immendorf entre otros. Debido a esto, a pesar de haber nacido en la época del neoexpresionismo, Oehlen puede ser caracterizado mas como un surrealista que juega con varias yuxtaposiciones que pone en evidencia la naturaleza arbitraria de la mayoría de los signos y marcas.

+info: www.saatchi-gallery.co.uk

Marc Atlan es el director creativo de Marc Atlan Design Inc. Entre el año de 1994 y 2000 Atlan trabajó diseñando el empaquetado de la marca Comme des Garçons.

Aqui se puede observar su estilo minimalista y abstracto que a su vez mezcla el lujo con algo de ironía. Entre la gama de clientes que tiene Atlan se encuentran Helmut Lang, Tom Ford, Ives Saint Laurent, Prada Beauty, Marc Jacobs, Oliver Store, Joe Pytka y Philippe Starck. Su diseño para Comme de Garçons le ganó varios premios, esto se debe a la creativa forma en la que se integra el código de barra, los logos de reciclaje etc en el diseño del empaque de los perfumes. Esto permitió que se cree una identidad única a cada fragancia mientras se mantenía la uniformidad de toda la línea.

+info: www.marcatlan.com

La segunda edición de CREACARTEL 2011, invita a los diseñadores gráficos y otros profesionales de la comunicación visual, a contribuir con su talento a la creación de piezas gráficas únicas, que tendrán como principal fin, el destacar los valores universales y amplios del concepto que representa la palabra “convivencia”.

Un tema de imprescindible trascendencia para los seres humanos es la convivencia. Al poner en práctica la convivencia surgen premisas básicas para el ser humano, como la comunicación, la tolerancia, la comunión, todas pertenecientes siempre al ámbito de lo positivo. Es la convivencia una necesidad en relación estrecha con la familia, la necesidad de sentirse parte de una comunidad, de ser aceptado y la de aceptar a nuestro entorno, es una de las formas más trascendentes de relacionarnos como seres humanos, no sólo para el bienestar y la felicidad, sino para el sostenimiento de la salud en general, ya que está comprobado que no podemos prescindir del apoyo y de la compañía de los otros.

La práctica cotidiana de la convivencia con nuestros semejantes parece fácil, pero requiere de madurez y tenacidad, de interrelacionarnos con quienes no profesan nuestras mismas ideas, con quienes no tenemos empatía o culturalmente sean diferentes a nosotros. La convivencia es una forma de vivir que debemos escoger desde muy jóvenes. Para la convivencia positiva es necesario el respeto, el amor, la amistad entre todos y aprender a tolerar las costumbres de otras personas.

Siempre será oportuno invitar a convivir con los demás y no apartarnos, sino por el contrario, relacionarnos, unirnos y cultivar la convivencia con todos, entre todos y para todos, con el alto y el enano, con el pobre y el rico, con el feo y el bello, el gordo y el flaco, con los de otra sexualidad, entre las razas y sin distinción de color de piel, buscando siempre ser uno solo, con el extranjero y con todo aquel que al igual que nosotros, se siente pleno y vital cuando convive con otros en paz y alegría.

El ser humano, tiene dos necesidades sociales básicas: la necesidad de una relación íntima, estrecha con un padre o un cónyuge y la necesidad de sentirse parte de una comunidad cercana e interesada por él. Somos fundamentalmente criaturas grupales y nuestro bienestar es mucho mayor cuando nos encontramos en un ambiente armónico, en el cual vivimos en estrecha comunión.

El objetivo principal de este evento es crear conciencia social en nuestro entorno y que las comunidades aprendan a vivir en CONVIVENCIA, también se busca crear un medio que pueda inspirar un cambio social mediante la creación de piezas gráficas en este caso carteles que permitan con las herramientas propias de la comunicación visual informar, advertir, comunicar, emocionar y motivar a las comunidades, al país y al mundo a predicar esta acción. Es un aporte por parte de los participantes que puede y debe ser útil para inspirar un cambio en el mundo.

Creemos que la CONVIVENCIA es una forma y una manera de contribuir a generar un cambio positivo en nuestro. Nos gustaría contar con la participación activa de profesionales vinculados al área visual, como diseñadores gráficos, fotógrafos, comunicadores visuales y otros que decidan sumarse a nuestra lucha. Además de la participación de los diseñadores a nivel general, con la deliberada intención de promover a la comunicación visual como herramienta en pro de nuestra sociedad. También esperamos que el trabajo comunitario de todos estos profesionales llegue hasta los sitios menos poblados en los que sorprenda y deje profunda huella.

Los organizadores del evento son Juan y Camilo Madriz y participarán como jurado Santiago Pol, Manuel González, Juan Carlos Darias, Esteban Salgado y Billy Bacon.

El mensaje que se busca presentar al público es el siguiente, tenlo en cuenta si decides enviar tu trabajo:

El cartel debe llevar como único texto lo siguiente, CONVIVENCIA, 2011 en el lugar más claro y preciso pensado para el momento de su ejecución por el participante.

Las fechas de recepción son:

Sábado, 30 de julio abre la convocatoria.
Domingo, 17 de septiembre, cierra la convocatoria.

El criterio de selección es:

Está planificado para que el jurado la realice durante los días lunes 19 de septiembre hasta el viernes 30 de septiembre del año en curso.

Fecha de la publicación de seleccionados finales:

La lista de seleccionados será publicada en el perfil del Creacartel, Concurso de Carteles La Convivencia 2011 para el día Lunes 03 de Octubre del 2011 cumpliendo así la tercera etapa del proyecto como lo es hacer publico la selección final de la Jura.

Quedando como cuarta etapa la producción final de los carteles seleccionados para llevar acabo una exposición en el marco de la 2° Edición de CREACARTEL, Concurso de Carteles La Convivencia 2011.

Las bases del concurso son las siguientes:

1.- El concurso está abierto a todos los diseñadores, comunicadores visuales y profesionales afines de Venezuela y el mundo.

2.- Cada diseñador podrá participar con una a tres propuestas de carteles, estos podrán ser individuales o formar parte de una serie.

3.- Los participantes deberán de expresar su punto de vista sobre el tema central como lo es LA CONVIVENCIA 2011, desde sus diferentes representaciones ya sea familiar, infantil, sexual, de género, doméstica, verbal, hombre animal, hacia el planeta, etc. Es decir, crear conciencia acerca de lo que pasa en nuestra actualidad y los beneficios de la convivencia en nuestro andar por la vida de manera individual y comunitaria.

4.- Las dimensiones del cartel deberán de ser de 70 x 50 cm, en forma vertical y en una resolución de 300 dpi en formato JPG, TIFF (Los carteles que no cumplan con estas condiciones no serán aceptados).

5.- La técnica a utilizar es libre, siempre que al final éste sea digitalizado.

6.- Seguir las siguientes indicaciones al momento de enviar el cartel o grabar el archivo del mismo:

NOMBRE _ APELLIDO_01.JPG, Colocar (01) en el caso de enviar un sólo cartel, si son dos colocar (02) y así sucesivamente.

7.- Junto con el archivo (Cartel) el participante deberá enviar todos sus datos personales y unas líneas sobre su trayectoria en el orden que se describe a continuación y enviarlo a la siguiente dirección electrónica: creacartel2010@gmail.com; poniendo en el lugar del asunto ENVIO DE CARTEL:

Nombres y apellido / Dirección / Trayectoria.
Una vez recibido el cartel se le enviará una confirmación de aceptación del mismo.

8.- Un jurado evaluará y seleccionará 50 carteles, de los cuales se elegirán los tres primeros lugares y los mismos participarán en la exposición de la 2° Edición de CREACARTEL, La Convivencia 2011

9.- Todos los participantes cuyos carteles resulten seleccionados recibirán un diploma en formato PDF acreditando su participación y los tres primeros lugares recibirán un Diploma en formato PDF indicando el lugar obtenido.

10.- Todos los participantes ceden los derechos de impresión y difusión de los carteles a favor de la muestra para reproducir los carteles presentados a concurso en catálogos, exposiciones, ediciones promocionales, medios electrónicos, así como en eventos promocionales, respetando siempre el crédito del los autores.

11.- El comité organizador se reserva el derecho de rechazar la participación de carteles que se consideren ofensivos a la moral o a la cultura de cualquier país, así como la de aquellos que no cumplan con lo estipulado en esta convocatoria.

12.- La muestra será inaugurada en la ciudad de Mérida en el mes de Noviembre del presente año, durante el marco del Tercer Congreso Internacional de Diseño Grafico SIGNOS 2011, el espacio para esta exposición está por definirse. La misma se hará publica en los próximos días en el grupo y dirección del evento en Facebook.

13.- La participación es gratuita.

14.- Cualquier duda o comentario escribir a: creacartel2010@gmail.com

+info: Creacartel2011

Ricardo Cabezas

Kathiana Cardona

Mauricio Ramirez

Jose Gallardo

David Criado

“The Antics Roadshow” es un nuevo proyecto de Banksy, el artista anónimo que ya ha triunfado en el mundo del cine con “Exit Through the Giftshop.” Banksy creó este proyecto como un programa de televisión y el mismo puede ser descrito como una guía para disentir con el status quo y el orden . Aprovecha mirando el documental completa mientras este disponible, ya fue borrado de Vimeo y esta siendo borrado de todas las redes.

+info: www.ukstreetart.co.uk

“Made by Originals” es la nueva revista electrónica que ofrece a sus lectores una exclusiva revisión de los hoteles más originales del mundo por su diseño, la cual es parte de la red Design Hotels. Esta nueva producción se enfoca en los creadores de los hoteles, a quienes llaman “Originales.”

La revista Made by Originals lleva al lector en un viaje dentro del mundo de las mentes maestras de estos “originales.” En ella podrás encontrar galerías de fotos, videos e historias de los diseñadores que buscan revelar la fuente de la pasión e inspiración que les llevó a crear estos hoteles tan especiales.

Mira aquí vídeos de estos originales diseñadores.

+info: www.madebyoriginals.com

Un formato simple para comprender problemas complejos en la gestión de estudios de diseño.

Donde comienza a aparecer con claridad el trabajo en equipo, y los esfuerzos comienzan a traducirse en interesantes resultados económicos, actuales y proyectados.

Primeros resultados, producto del trabajo en equipo.

Por Fernando Del Vecchio / Mayo 2011

Aclaración: La presente conversación es ficticia, ya que nunca grabo las reuniones con clientes. Sin embargo, representa las dudas que se presentan en la práctica profesional cotidiana de los diseñadores que llevan adelante sus propios estudios de diseño, así como de aquellos que trabajan en forma independiente. También estamos en Facebook.

CAPÍTULO 9

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Una parte importante de gestionar el estudio, implica tratar directamente con nuestros clientes cuando surge alguna diferencia o conflicto en la relación. En este sentido, el talento creativo – que parecía esencial – no juega ningún rol, ni principal, ni secundario.

Este proceso de resolver conflictos con clientes, con proveedores, y con empleados (cuando se tienen), juega un rol determinante en los resultados económicos.

Por ello es que Shel Perkins* dice: “si usted desea convertirse en un diseñador profesional, hay cuatro habilidades esenciales que debe poseer: talento, habilidades técnicas, habilidades interpersonales y habilidades de negocio”.

Sobre este último punto (habilidades de negocio), y contrario a lo que pueden llegar a pensar muchos, la incorporación de un cliente muy grande al portfolio, puede traer más problemas que beneficios. Por ello es que mantener un portfolio equilibrado de proyectos y clientes, puede ser la forma más efectiva de gestionar el estudio.

Por otro lado, la incorporación de una mayor cantidad de clientes importantes, puede ser el origen de la transformación del estudio, situación a la que no todos llegan, o por falta de planificación, por haber fallado en el intento, o simplemente por no imaginar de qué forma podría administrarse.

Llegado ese momento, habrá que desarrollar otras habilidades, para enfrentar la nueva situación.

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Soledad: – Buen día… pero antes que me saludes… ¿Qué fue lo que te dije la última reunión?

Fernando: – Recuerdo que tenías mucha confianza en poder renegociar el contrato con uno de esos clientes difíciles del estudio. ¡Y buen día para ti también!

Pablo: – Ahora sí que hay que soportar lo que viene, hay que prepararse.

Soledad: – Es verdad, me fui con mucha confianza. Me fui con la idea de intentar renegociar las condiciones con el cliente 4, el que – si recuerdas los detalles – también nos daba mucho trabajo, sobre todo respecto a la cantidad de idas y vueltas con los empleados y los cambios que solicitan.

Pablo: – Y con la idea de subir un poco los honorarios…

Soledad: – Bueno, eso ya hubiera sido un triunfo completo, total, mundial…

Fernando: – ¿Me cuentan, por favor, qué sucedió?

Soledad: – Por supuesto. Te adelanto que más dinero no nos van a pagar (risas), pero al menos pudimos conversar sobre la condiciones que establecimos con el otro cliente… el estudio de Francisco y Alberto.

Fernando: – ¿Y con Alberto y Francisco? ¿Alguna novedad?

Soledad: – Todavía marcha todo bien, aún no hemos tenido ningún cambio… lo que mencionaste sobre la forma como todo podría volver a ser como antes, al menos por ahora, no sucedió.

Fernando: – Me alegro mucho. Hay que estar atentos, porque en realidad solo pasó una semana. Espero que todo siga como hasta ahora, pero no hay que dormirse pensando en el mejor de los escenarios.

Pablo: – Tal cual… en el momento en que menos te lo esperas, te modifican las reglas de juego de nuevo. Hay que seguir muy atento y marcar bien las condiciones cada vez que alguno intenta salirse del esquema.

Soledad: – Quiero seguir contándote qué sucedió en la semana… resulta que, como vienes recomendando desde hace tiempo, pedí una reunión con este cliente, el número 4.

Fernando: – Recuérdame la situación, por favor.

Soledad: – Hace unas semanas, conversamos sobre el hecho que, tanto el cliente 2 – el estudio de Alberto y Francisco – como este estudio, eran dos de los que menos ingresos nos generaban y de los que más tiempo de trabajo nos llevaba. ¿Ahora recuerdas?

Fernando: – Completamente.

Soledad: – Muy bien. Lo que hice fue pedir una reunión, para exponerles esta situación. Traté de conversar con Pablo antes de la reunión, para ver qué podría ocurrir, y de qué forma reaccionar frente a lo que pudieran decirme…

Fernando: – Muy bien.

Pablo: – Igual no sirvió para nada, porque en el medio discutimos mucho.

Soledad: – Si, es verdad. Pero a mí me sirvió igual. Eres un terco cuando te pones en esa situación de “quiero tener razón”… pero sirvió para el propósito.

Fernando: – Mejor así, parece que – al final y pese a los roces y discusiones – hacen buen equipo.

Soledad: – ¿Seguimos?

Pablo: – Lindo carácter…

Soledad: – Entonces, llego a la oficina de Manuel, que es el director de este estudio, le planteo con mucha serenidad la situación, le ofrezco una modificación en la forma como estamos trabajando… es decir, como en el caso anterior, un solo interlocutor…

Pablo: – ¿Y entonces?

Soledad: – Tu ya sabes lo que pasó. Lo que pasó, es que – al contrario de lo que yo hubiese esperado – Manuel me llevó a la sala donde trabaja su equipo para presentarme a los diseñadores. Terminó presentándome a todos, agradeciéndome la visita, porque cree que de esta forma vamos a poder trabajar mejor todos.

Fernando: – ¿Y el incremento en los honorarios?

Soledad: – En esta oportunidad no me animé a pedirlo… pero más adelante, y con un poco más de confianza, lo haré.

Pablo: – Muy bueno, ¿no crees?

Fernando: – Muy bueno, felicitaciones.

Soledad: – Lo interesante es que la carga de trabajo en el estudio bajó muchísimo, producto de estas dos simples reuniones.

Fernando: – No siempre ocurre, pero en este caso me parece que estaban desbordados, y esto ha servido para dos cosas: primero, como ustedes lo han dicho, para dejar de estar al borde del colapso; segundo, y también muy importante, para ganar confianza en esta nueva situación, donde comienzan a relacionarse en una forma un poco diferente con los clientes.

Soledad: – Y eso no es todo…

Pablo: – Pensabas que sí, pero no.

Fernando: – Muy bien, me encantan las sorpresas… buenas noticias, imagino.

Soledad: – Este segundo punto que mencionas es cierto. Porque no solo pedí la reunión con Manuel y llegamos a este acuerdo de trabajo. También tuve dos reuniones adicionales: una con el potencial cliente para trabajar su sitio web, que por cierto, nos ha contratado…

Fernando: – Y siguen las buenas noticias…

Soledad: – …sino que, a ver si recuerdas, hace unas semanas, te contamos de un cliente que yo tenía desde hacía un tiempo, que dejaba de trabajar con nosotros… un cliente también pequeño, una cuenta por honorarios fijos por mes de $1000.

Fernando: – Recuerdo muy bien.

Soledad: – Parece que su trabajo con el nuevo estudio no fue lo que esperaba, y recontrató nuestros servicios.

Fernando: – ¿En las mismas condiciones?

Pablo: – Casi las mismas condiciones…

Soledad: – ¡Con un incremento en los honorarios, por supuesto!

Fernando: – Venganza, ¿quizás?

Soledad: – No, para nada. Lo que pensamos con Pablo es que ahora, si bien estamos más tranquilos en cuanto a trabajo e ingresos, tendríamos que organizarnos un poco diferente. Pensamos en la posibilidad de contratar un empleado, y pagarle con los ingresos de este cliente.

Pablo: – A ver qué te parece… si contratamos un empleado, pagándole como sueldo lo que cobramos como honorarios de este cliente, tendríamos alguien trabajando con nosotros y no únicamente para ese cliente.

Fernando: – Está perfecto. Es una responsabilidad mayor la que están asumiendo; pero estoy seguro que pueden enfrentarla.

Pablo: – Tendríamos que ver dónde encontrar el tipo de empleado que necesitamos…

Fernando: – Antes de seguir con ese tema, ¿cuál es el monto de honorarios para este contrato?

Soledad: – Cerramos en $1300. Antes estábamos en $1000.(Ver Capítulo 4)

Fernando: – Bien. Lo pregunto para que podamos actualizar el flujo de caja… imagino que lo habrán seguido completando…

Pablo: – Entre el trabajo atrasado y el resto de las reuniones, la verdad que no. Pero veamos cómo sigue…

Fernando: – ¿Pero qué sucedió entonces con ese potencial cliente para el sitio web, que me dijeron hace un rato que los había contratado?

Soledad: – Cierto… finalmente nos contrató. Y no es que no le pareció bien la propuesta que le envié en su momento, es solo que se olvidó de responder, o lo dejó en su correo para verlo más adelante, ya que no era un tema urgente…

Pablo: – Importante, pero no urgente.

Soledad: – Claro, me acuerdo cuando tratamos eso aquí, y cuando esta persona me iba contando lo que quería hacer y cómo, me di cuenta de la diferencia. Le dije exactamente lo que nos dijiste tú: que el proyecto no era urgente pero que era importante, y que lo podíamos trabajar hoy, a pesar de que – si quisiera – podría postergarlo por seis meses…

Pablo: – Ahí se dio cuenta que era mejor hacerlo y terminarlo de una buena vez.

Fernando: – Que es lo que deberían hacer con vuestro propio sitio web… ¿no es cierto?

Soledad: – ¡Absolutamente cierto! Ahora que tenemos más tiempo y cuando contratemos al empleado, lo haremos. ¡Lo prometo!

Pablo: – Para ir directamente a lo importante, logramos un adelanto del 50% sobre la oferta inicial de $2500 y el saldo contra la entrega final del trabajo.

Soledad: – Nos estará pagando el adelanto la semana que viene, y la cancelación en un mes.

Fernando: – Y con todas estas novedades, ¿no se plantearon la posibilidad de que el estudio les incremente el sueldo?

Pablo: – Si, porque además, lo necesitamos. Pero vamos a hacerlo el mes que viene, cuando tengamos una idea más clara sobre la nueva situación del estudio.

Fernando: – ¿Actualizamos el flujo de caja?

Pablo: – Si, por favor.

Fernando: – ¿Cuál sería el aumento proyectado de vuestros sueldos?

Soledad: – $300 para cada uno, comenzando el mes que viene.

Fernando: – Tendríamos que incluir, si van a contratar un empleado, la compra de una máquina adicional, y de mobiliario extra.

Soledad: – No, todo eso lo tenemos, no te preocupes.

Fernando: – Muy bien. Teniendo en cuenta las actualizaciones, el cuadro quedaría de la siguiente forma:

Pablo: – ¿Por qué empieza en la semana dos?

Fernando: – Porque el cuadro de la semana anterior comenzaba en la semana uno, que ya pasó. Estamos en la semana número dos, y por ello agrego una semana más en el cuadro, así siempre tenemos un cuadro de ocho semanas.

Soledad: – ¿Ocho semanas es lo ideal?

Fernando: – Yo utilizaría dieciséis semanas, pero me parece que podemos empezar con este esquema, y en la medida en que se vaya complejizando el negocio, ir agregando semanas de planificación.

Soledad: – Si, mejor más adelante. Si con ocho semanas ya me estoy complicando, no me imagino lo que será con dieciséis.

Fernando: – Lo que tienen que observar es lo siguiente: el “saldo anterior”, que asciende a $780, es el dinero que tiene que tener el estudio, entre efectivo y cuentas de banco…

Soledad: – Por ahora no tenemos cuenta en el banco.

Fernando: – Si cobraron y pagaron todo lo que había por cobrar y por pagar la semana que viene, entonces ese es el monto de dinero que tienen que tener como inicio de esta semana. Luego, tienen que ver que el resto de los números permanece igual, salvo los que están en color rojo, producto de lo que conversamos hoy.

Soledad: – Bien. Están los $1300 del contrato del viejo nuevo cliente… el adelanto y el saldo del proyecto del sitio web, y los $1300 que pensamos asignar al nuevo empleado…

Fernando: – Más el incremento de $300 para cada uno de ustedes en el sueldo del mes siguiente.

Pablo: – Si los números están bien, lo que veo es que a fines del segundo mes, tendríamos $3880 en el bolsillo. ¡Sería muy bueno!

Fernando: – Es un ejercicio de planificación, donde puedes ver resultados concretos. Si quieres que al final de la semana nueve, haya $3880 en la cuenta del estudio, los supuestos con los que construimos el flujo de caja tienen que cumplirse.

Soledad: – Los supuestos…

Fernando: – Me refiero a que la información sobre la que construimos el flujo de caja proyectado… porque a futuro esa misma información puede cambiar, dependiendo de las condiciones del momento. Por ejemplo, que un cliente pague una semana más tarde, que otro cliente cancele su contrato, que haya un incremento en la cantidad de egresos por viáticos, gastos de teléfono, etcétera. Por eso es tan importante que vayan manteniendo la atención sobre el cuadro, semana a semana, para no perder de vista los resultados financieros de la gestión.

Soledad: – ¿Y cuándo deberíamos hacer la actualización del cuadro?

Fernando: – Un buen momento es el primer día de la semana a primera hora, o el último día de la semana, a última hora. Tienen que tener regularidad, y como les decía antes, no perder de vista lo que sucedió, producto de sus decisiones, y los resultados que se proyectan. Eso va a permitir tomar mejores decisiones… decisiones del negocio.

Soledad: – Nada de esto tiene que ver con el diseño, es casi como si no importara.

Fernando: – En relación a esto, que tengas la intención de vender hamburguesas, o servicios de diseño, da igual.

Soledad: – No me motiva para nada tu comentario.

Fernando: – Quizás te motive lo siguiente: el primer flujo de caja proyectaba un saldo de $0 al final de la octava semana; hoy proyectamos, al término de la novena semana, un flujo de $3880.

Soledad: – No te voy a negar que es interesante, y hasta es lindo ver cómo va cambiando la proyección del estudio. Aparte, es un logro importante del equipo que formamos.

Fernando: – Te noto muy callado, Pablo… hace un rato que no emites sonido.

Pablo: – Me parece que no hace falta; Soledad lo viene manejando muy bien y creo que dejar que ella tome las riendas en este caso es positivo. Si tuviera algo para agregar, lo haría.

Fernando: – Excelente. Creo que, de a poco, se va desarrollando ese espíritu de colaboración y cooperación de equipo tan necesario para que el estudio funcione.

Soledad: – Valga la redundancia…

Fernando: – ¿Por qué?

Soledad: – ¿Espíritu de colaboración y cooperación? ¿Para qué tanto sinónimo?

Fernando: – Es que no es lo mismo. Pero no lo vamos a conversar ahora. Lo importante es que el equipo funciona.

Soledad: – Esa es la idea, ¿no?

Fernando: – Claro, ¡salvo que piensen que el talento creativo es la clave del éxito!

Pablo: – Nos hemos venido dando cuenta que no, que hay muchas cosas más a tener en cuenta. Uno puede ser un talento – según la opinión de otros – pero si no se ocupa de hacer el trabajo necesario para que el estudio funcione, ¡no sucede nada! Ojalá me hubiera dado cuenta hace varios años…

Fernando: – No te preocupes, porque te has dado cuenta ahora, a tus veintisiete años, en lugar de seguir peleando contra una pared durante los siguientes veinte.

Soledad: – Tengo amigos diseñadores mucho más grandes que yo, que no entienden para qué venimos acá.

Fernando: – Ni hace falta que les expliques. Me parece más importante que les cuentes los resultados que estás obteniendo y que – cuando te pidan que les cuentes cómo lo hiciste – les relates el proceso de trabajo que tenemos. Porque, a priori, si no entienden para qué estás trabajando en todo esto, lo único que vas a lograr es que te hagan perder el tiempo.

Soledad: – Ya me sucedió. ¿Pero por qué crees que sucede?

Fernando: – ¿De verdad te importa? ¿Quieres teorizar? ¿Por qué no seguimos trabajando en lo que realmente importa ahora?

Pablo: – Mejor, ahora que estamos mejorando, sigamos en esta ruta. Y al que no esté de acuerdo, mala suerte.

Fernando: – Totalmente.

Soledad: – Yo creo que, ahora que venimos mejor orientados, tendríamos que aprovechar para salir a buscar algún cliente grande. Me refiero a “grande”, pero de verdad.

Fernando: – ¿Grande, cómo?

Soledad: – Grande… una empresa grande. Que pueda pagar mucho dinero por nuestros servicios de diseño.

Fernando: – ¿Y que pague mucho, pero cuánto?

Soledad: – Veamos… ahí tenemos el flujo de caja. Si sumamos lo que tendríamos que cobrar por mes, creo que debe sumar como $10000, ¿no?

Fernando: – Veamos.

Pablo: – ¿Cuánto suma?

Fernando: – Si tomamos en cuenta las próximas cuatro semanas, los ingresos suman $9350. Y si para algo les sirve la información, también aquí tenemos el porcentual, sobre ese ingreso total, que significa cada cuenta.

Soledad: – Teniendo en cuenta nuestro primer cálculo, de $6200, y si no me equivoco, hemos tenido un incremento del 50% en los ingresos.

Fernando: – Así es, un 50%. Pero aquí estás incluyendo como ingreso el primer pago del proyecto sitio web, y no se trata de un ingreso estable. Solo para que lo tengas en cuenta.

Pablo: – Volviendo al tema… ¿A qué te referías cuando decías que hay que salir a buscar otro cliente, uno más grande?

Soledad: – Digo que no sería nada malo salir a buscar un cliente que nos pague un 50% más…

Pablo: – ¿Conseguir un cliente que nos contrate por un proyecto de $4600?

Soledad: – O mucho más, ¿por qué no? ¿Por qué no podemos pensar en un cliente que pague, por un contrato de honorarios fijo, lo mismo que estamos cobrando ahora por todo el trabajo?

Pablo: – ¿$9000?

Soledad: – Sí, ¿Por qué no? O $9500, para que ese importe alcance al 50% del total.

Pablo: – O sea, que ese nuevo cliente nos genere un ingreso igual al que tenemos hoy por todo el trabajo con el resto de los clientes.

Soledad: – Así es.

Pablo: – De poder conseguirlo, lo haría.

Soledad: – Y el cuadro de ingresos, de acuerdo al de Fernando, tendría que ser este:

Fernando: – Perfecto, un lindo sueño. ¿Volvemos a la realidad?

Soledad: – ¡No! ¿Cómo que “un lindo sueño”? (en tono de burla)

Fernando: – Primero, no lo dije en tono de burla. Segundo: no lo digo por no creerlos capaces de obtener una cuenta así.

Soledad: – ¿Y entonces?

Fernando: – Lo menciono porque no es la primera vez que alguien me lo indica como si fuera “la solución a todos los problemas”.

Soledad: – Yo creo que resolvería muchos problemas.

Pablo: – Aquí tengo que coincidir con ella. Si bien las perspectivas son buenas, creo que un cliente de esa magnitud nos vendría muy bien.

Fernando: – Puedo contarles varias historias de casos que no resultaron bien, haciendo exactamente lo mismo que ustedes proyectan…

Soledad: – ¿Y algún caso exitoso, no tendrás para contar?

Fernando: – Me gustaría contar el de ustedes como caso exitoso, por ello recomiendo no salir a buscar ese cliente, al menos por ahora.

Soledad: – ¿Por qué? ¿Qué hay de malo en todo eso? Conozco diseñadores que trabajan para un solo cliente.

Fernando: – ¿Y están felices?

Soledad: – Sí, al menos es lo que me cuentan…

Fernando: – Yo no puedo creer que a esta altura tenga que mencionarles esto… pero entiendo que, quizás, todavía no lo puedan ver desde el rol que yo pretendo que tengan.

Pablo: – ¿Qué cosa?

Fernando: – A mí me parece evidente que tener un cliente muy grande en comparación con el resto de las cuentas, puede ser interesante, y a la vez, muy peligroso.

Pablo: – Puedo ver que sea interesante, pero no lo veo peligroso. Salvo que esté prestando atención únicamente a los beneficios.

Fernando: – Es muy posible. Hay muchos casos, pero muchos, de estudios con un solo cliente importante. Quizás bajo la misma modalidad del contrato por honorarios fijo que ya vimos hace unas reuniones. En estos casos, ese único cliente importante, alcanza a cubrir el 80% o más de los ingresos.

Soledad: – No veo el problema, por el momento.

Fernando: – En algunos casos, la cantidad de trabajo es tal, que no queda tiempo para realizar el trabajo del resto de los clientes… con lo cual, con el tiempo, muchos estudios se van quedando con ese único y gran cliente, que absorbe el 100% del trabajo y que aporta el 100% de los ingresos…

Pablo: – Veo a lo que apuntas…

Fernando: – Ustedes mismos estaban sufriendo una situación así, solo que con dos clientes que aportaban un porcentual mínimo de los ingresos…. Lo que nos llevó a renegociar con ellos, porque no podían seguir así… imagino que el resto de los clientes también los presionaba para cumplir con las entregas, ¿no es cierto?

Pablo: – Sí, por eso fue una bendición el renegociar con esos dos clientes…

Fernando: – Ahora imagínate la peor situación posible para ese estudio del que estamos hablando…

Pablo: – Pienso en lo siguiente: tengo un solo cliente, del que dependo totalmente. Si me llega a cancelar el contrato, tengo que cerrar.

Fernando: – Así es. Y en muchos casos, los estudios no contratan un empleado para trabajar con ese cliente porque han visto disminuir sus ingresos, producto de la presión de este único cliente, por la cantidad de trabajo – a honorarios fijo – que les solicita. Y no tienen la posibilidad de salir a buscar más clientes, porque no tienen tiempo, o no tienen voluntad por estar atados a este cliente, con ese nivel de ingresos, que consideran seguro – o, mejor dicho – casi seguro, con un temor enorme a perderlo.

Soledad: – Entiendo… no lo había visto de esa manera.

Fernando: – He visto esa situación muchas veces… pero lo más duro es ver la expresión del diseñador que ha perdido ese único cliente, aun habiendo hecho bien su trabajo durante mucho tiempo. Miren cómo sería, gráficamente, la proporción de ingresos actual, por cliente:

Fernando: – En cuanto a los ingresos, no en cuanto a la cantidad de trabajo en horas con cada cliente, el portafolio de clientes parece estar equilibrado. O sea, no tenemos ningún cliente, que sea tan importante, que su pérdida redunde en una crisis inmediata y definitiva.

Pablo: – Así es. Salvo que lleguemos a perder varios clientes a la vez (risas).

Fernando: – Ahora, en este cuadro, vean la proporción de ingresos de acuerdo al esquema futuro que tanto desean. Ahí tenemos al cliente importante, representando el 50% de los ingresos:

Pablo: – Gráficamente lo veo mejor que cuando me lo cuentas.

Soledad: – Me quedé con el caso anterior. ¿Y ese diseñador… por qué perdió la cuenta?

Fernando: – Conozco varios casos, pero los clientes cambian de proveedor, no puedes esperar a tener un cliente durante toda la vida… además, muchas veces el cliente ni siquiera es la empresa, sino el gerente para el cual trabajas. Ese gerente va a trabajar a otra empresa, y el nuevo trae a su equipo de diseño de confianza.

Soledad: – Entones, si queremos salir a buscar ese tipo de clientes, ¿Qué tenemos que hacer?

Fernando: – Mi recomendación es mantener un portafolio equilibrado. Si, de repente, consigues un contrato como el que mencionabas, sería importante conseguir otro igual… o similar. Para que, de esa manera, el crecimiento del estudio vaya siendo equilibrado, paulatino, evaluando en cada momento la evolución del estudio, no solo la evolución del flujo de caja. El flujo de caja es una herramienta de planificación y control, nada más. Además, obtener ese tipo de cuentas, de esa magnitud de contrato, implica otra cosa.

Soledad: – ¿Qué cosa?

Fernando: – Contratar más empleados. Y así, el estudio cambia. Cambia mucho. Ya hablaremos al respecto.

Soledad: – Siento que hoy hemos tenido una reunión productiva, ¿no?

Pablo: – Es que trajiste buenas noticias, no como otros días que vienes con un humor…

Fernando: – (risas) Nos vemos la próxima.

El diseñador Mexicano Eric Olivares es también un ilustrador, artista de performance y nuevos medios de comunicación, él es reconocido como uno de los diseñadores más versátiles de su generación. Actualmente esta radicado en España.

Su trabajo ecléctico incluye escenografías, proyectos de identidad corporativa, ilustración, cartel, editorial, espacios expositivos, museografía, publicidad, multimedia, director de arte y broadcast media. Como ejemplo, en su trabajo Off-line, el diseñador incluye la publicidad, la tipografía, diseño de carteles, y la identidad corporativa. Olivares se esfuerza por utilizar las últimas tecnologías del diseño para producir eficaces campañas de comunicación.  Muchas de sus obras han sido exhibidas en museos como por ejemplo en el Museum of Design en Suiza y en el Sindicat National Des Graphistes en Francia. Actualmente realiza proyectos de diseño y new media en su estudio La Cocina Gráfica.

+info: www.ericolivares.com

En este concurso participaron mas de 1800 posters de 54 países de los cuales se seleccionaron los 100 mejores. Además se invitó a un jurado internacional de 39 profesionales quienes tuvieron la difícil tarea de escoger los posters más representativos. (poster arriba: Gerardo Gutiérrez Tapia.)

La exhibición de estos trabajos será inaugurada el 8 de septiembre y permanecerá hasta el 23 de octubre del 2011 en la Galería del ICPNA La Molina, Av. Javier Prado Este 4625, Lima-Perú. El concepto general de este evento es de borrar muchas de las barreras imaginarias que los seres humanos nos hemos puesto al pasar de los años.

En esta colección cada artista tiene la posibilidad de expresar su punto de vista sobre el concepto “Muros Abajo.” Usando a los principios de las naciones unidas como guía, cada artista pudo expresarse de una manera única y esto se refleja en las piezas que están en esta exhibición. En esta nota están los diez mejores carteles sin preferencia de aparición. Si quieres ver a los otros 90 ganadores puedes hacer click aquí.

+info: www.ade-usil.com

Hamed Azizi

Fabian Carreras

Fabian Carreras

Tianjiao Liu

Bruno Raúl Rivera Catacora

Huo Kai

Yue Lei

Kelly Agranda Torreblanca

Durante los últimos días del mes de Mayo del 2011, el emblemático predio ferial “La Rural” en Buenos Aires, Argentina, alojó los contenidos de la edición número  20 de arteBA. Esta es una de las feria de arte contemporáneo, de artistas y de galerías más grandes y vertiginosas de América latina.

Julia Converti,  la joven gerente de proyectos y coleccionismo que forma parte del equipo gestor que lleva adelante esta asociación no lucrativa, nos ha ofrecido una visión panorámica de este interesante proyecto cultural complejo y transversal.

Desde hace ya 20 ediciones, arteBA es una feria que se ha ido consolidando fuertemente en Buenos Aires, en el resto de Argentina y en la región de Latinoamérica, no solo como un acontecimiento de exhibición y comercialización de colecciones y experimentos artísticos llevados a cabo en el vientre de galerías nacionales y regionales (expandiendo además sus alcances más allá de las fronteras de Latinoamérica,  contando en el 2011 con importantes participaciones europeas, destacadas por la presencia de una cantidad de galerías alemanas, convocadas en el marco del nuevo espacio de ArteBA patrocinado por Mercedes Benz, llamado U-TURN Project rooms; así como por la participación argentina en el programa Matching Funds arteBA -Zurich que en el 2011 llevó a cabo su séptima edición, y que promueve la reciprocidad comercial entre instituciones culturales argentinas y suizas), y como un espacio de intercambios entre personas, organizaciones, instituciones e industrias relacionadas con arte de toda la región, sino como un verdadero organismo integral que abarca e interconecta diversos aspectos sociales latinoamericanos de interés colectivo, específicamente relacionados a las actividades de acento ciudadano, en torno a los campos del estímulo a nuevas manifestaciones de arte y su actual actitud relacional, así como a la formación de amplios públicos informados y críticos. De igual manera, arteBA estimula sinergias de todo tipo, entre agentes culturales públicos, privados y de iniciativas no lucrativas, y abre espacios institucionales aptos para las experiencias de debate académico transversal e inter-generacional en los que participan los diversos actores que arteBA convoca anualmente.

No examinaremos el modelo de gestión actual de arteBA, pero es importante tener en cuenta que, a breves rasgos, la feria convoca a galerías de gran trayectoria y de fuerte capacidad comercial en la región, pero también abre un cultivado e importante espacio para galerías emergentes (este espacio se llama Barrio Joven-Chandon, se agregó a arteBA en el año 2005, y que empezó a expandir su convocatoria a galerías emergentes latinoamericanas en el año 2007 ), lo que convierte a esta feria, en un verdadero encuentro inter-generacional de artistas y galeristas y equipos gestores jóvenes y experimentados; el resultado, un espacio de formación anual de gestores, galeristas y coleccionistas latinoamericanos.

Además de representar un importante interfaz cultural nacional y regional, se puede atisbar el potencial rol conciliador y dinamizador que arteBA, como ONG independiente, sin fines de lucro, y sin compromisos políticos, podría llegar a cumplir en Buenos Aires y en toda la región, desde la perspectiva de la confección y el perfeccionamiento de políticas culturales amplias y proyectadas para un futuro común, y atadas a las más altas responsabilidades y actividades de planificación cultural que llevan a cabo nuestros gobiernos y estados. Eventualmente, esta organización puede convertirse en una plataforma capaz de contribuir ampliamente en el debate y la conciliación social en torno a la cultura, debido a su naturaleza mixta e influyente en circuitos culturales comerciales, en redes académicas, en actividades ciudadanas y en competencias culturales de gobiernos comprometidos con la democratización de la cultura, y con la democracia cultural. Actualmente llama la atención la capacidad de la feria, para generar eventos que, de manera insólita, cuentan con sponsors de colaboradores confrontados políticamente (hablamos de gobiernos regionales y nacionales que pertenecen a ideologías antagónicas), pero que conviven en las franjas publicitarias de los eventos que se desprenden. En este sentido, vale la pena señalar que quizá estamos asistiendo a cierta época de reivindicación regional de la cultura y de la creatividad que, como diría Jon Hawkes, teórico e investigador de la gestión cultural, representa hoy en día, un recurso y un pilar fundamental para los nuevos planteamientos sociales nacionales, regionales y globales.

En el 2011, arteBA convocó durante los pocos días de feria (algo habitual en las ferias de arte), cerca de 120.000 espectadores, quienes pudimos disfrutar de un acontecimiento cultural muy completo, pagando una entrada de un costo similar al de un boleto de cine.

+info: www.arteba.com

El reconocido diseñador Stefan Sagmeister junto con Hillman Curtis, su co-director, han nos trae este creativo trabajo en progreso en el cual pone a prueba la posibilidad de que una persona pueda tener un impacto significantivo en su propia felicidad documentado en esta “The Happy Film.”

Esta no es la primera vez que Sagmeister y Curtis trabajan juntos; en el 2008 Curtis documentó el la exhibición del diseñador en los proyectos Deitch. En este film, el tema es una serie de experimentos personales usando recomendaciones que la psicología social prescribe para mejorar la felicidad personal. En una parte de la película, Sagmeister se encuentra en un mercado sosteniendo una flor tratando de ocasionar una sonrisa, empezar una conversación u obtener una cita. En este proyecto, Sagmeister experimentó con meditación, terapia cognitiva y drogas para alcanzar un estado intensificado de felicidad. El artista espera que su audiencia pueda relacionarse con algo de este documental y que busque llegar a su propio máximo dentro de sus vidas privadas y trabajo. El trabajo que nos ofrece Sagmeister tiene la posibilidad de no solo servir como insipiración sino también como un conductor hacia discuciones incluso fuera del diseño.

Mira aquí una plática de Sagmeister sobre la felicidad.

+info: www.thehappyfilm.org

Describir a Ai Weiwei puede ser difícil debido a sus varias facetas dentro de la arquitectura y el arte, la mejor forma sería como un “creador de su entorno.”

Su trabajo incluye varias piezas bien conocidas, como el estadio en Beijing “Birdnest” en el cual Weiwei participó con Herzog & de Meuron para su diseño y construcción. En las obras de Weiwei se puede distinguir un tema central: la colisión entre culturas. En su trabajo Weiwei mezcla varias dicotomías habituales entre la tradición y la renovación, lo familiar y lo extraño, la conservación y la pérdida hasta que ellas pierden su razón de ser. Recientemente el artista ha estado trabajando con obras que juegan con la imagen de lámparas grandes derribadas o distorsionadas. Entre sus exhibiciones mas conocidas esta Documenta 12 en el Kunsthaus Graz en el 2007 y Zones of Confidence en el Biennale de Sidney en el 2006.

Debido a su activismo político Weiwei fue encarcelado en abril de este año por el gobierno Chino bajo supuestas acusaciones de “crímenes económicos.” El es especialmente conocido por sus críticas a la mala calidad en la construcción  de las escuelas destruidas por el terremoto en Sichuan en el 2008. Ai Weiwei fue liberado bajo fianza el 22 de Junio, pero alegaciones sobre evasión de impuestos todavía siguen en pie.

+info: www.aiweiwei.com